Objectif Cinéma

MAIN BASSE
SUR LA VILLE
(EDITION 1 DVD)

Pascal LAFFITTE — 2008-04-29T22:21:17Z

SYNOPSIS : Entrepreneur et conseiller municipal en poste, Edoardo Nottola (Rod Steiger) pousse la municipalité de Naples à se lancer dans un gigantesque programme immobilier, dont son entreprise privée doit se charger. Lors des travaux, l'effondrement d'un immeuble vétuste cause la mort de deux personnes et blesse gravement un enfant, ce qui entraîne de vives polémiques au sein du conseil municipal. Le conseiller communiste De Vita (Carlo Fermariello) obtient la création d'une commission d'enquête sur la spéculation immobilière. Alors que de nouvelles élections se préparent, certains membres de la majorité, comme Maglione (Guido Alberti), s'inquiètent de voir Nottola figurer sur leur liste. Maglione demande à Nottola de ne pas se représenter aux élections, afin de rassurer l'opinion publique. Mais Nottola, dont l'argent est un puissant moteur du parti, refuse catégoriquement d'être évincé.

POINT DE VUE

Gratifié d'un Lion d'Or à la 24e Mostra internationale d'Art Cinématographique de Venise, Main basse sur la ville est l'un des premiers films de Francesco Rosi. Né à Naples en 1922, Rosi fait ses premières armes comme scénariste et assistant réalisateur de Luchino Visconti et Luciano Emmer. Engagé à gauche, son cinéma s'attaque toujours à des sujets graves, comme la Première Guerre Mondiale dans Les Hommes contre (1970), la Mafia dans Lucky Luciano (1973), ou la corruption politique dans Cadavres exquis (1975). Main basse sur la ville s'intéresse à la collusion entre les milieux d'affaires et les instances politiques. Lors du générique de fin, une phrase indique que « Les personnages et les faits narrés sont fictifs alors que sont réels le climat social et le milieu qui les ont produits ». Rosi opte pour le réalisme en faisant jouer des non professionnels. Il évite la dramatisation en présentant les faits tels quels, dans une approche documentaire. Son film oppose deux manières de pratiquer la politique. A droite, il y a Nottola (Rod Steiger), qui est homme d'affaire avant d'être conseiller municipal, plus soucieux de ses intérêts d'industriel que du bien-être de ses administrés. Grâce à ses alliances au sein du conseil municipal, il obtient qu'un terrain d'utilité publique à l'origine, soit vendu à l'entreprise privée dont il est l'actionnaire majoritaire. Un taudis est rasé pour y construire des immeubles neufs. Mais il n'est pas question de reloger les habitants pauvres expulsés de chez eux dans les nouvelles habitations, ces dernières étant destinées à une classe sociale plus aisée.

A gauche, le conseiller communiste De Vita (Carlo Fermariello) dénonce avec véhémence les agissements de ses adversaires, en particulier de Nottola. Mais sa colère s'oriente aussi vers la population qui pourrait changer les choses si elle était plus responsable. Dans une scène assez forte, De Vita est pris à parti par les habitants de la rue San Andrea qui se retrouvent expulsés, voici la façon dont il leur répond : « Il faut vous en prendre à vous-mêmes. Vous avez donné vos voix à ces gars-là et voila ce que vous y avez gagné. Vous ne comprenez pas ? C'est vous qui leur donnez la force de faire ce qu'ils veulent. Qu'est ce qu'ils ont fait pour vous ? Vous êtes éternellement des mal-logés, ils vont vous tirer d'un taudis pour vous mettre dans un taudis encore pire. Ils vous enlèvent même la possibilité de travailler. »

Amer, le film aboutit sur le constat que les choses mettront du temps à changer. Si le pouvoir de Nottola a été ébranlé, par ses opposants (les accusations de De Vita) et au sein même de son parti (la querelle avec Maglione), l'homme a su sortir son épingle du jeu. En période de crise, les querelles intestines s'effacent à droite, pour faire front contre la gauche, et le riche Nottola demeure un pilier de son parti. Sa réélection comme conseiller municipal est assurée.

Dans les années 70, le cinéma italien poursuivra sa critique de la société, mais de façon moins réaliste, plus spectaculaire, avec la vague des poliziotteschi, trouvant l'inspiration dans la violence urbaine. Ces films policiers, employant la plupart du temps un acteur américain (Henry Silva, Jack Palance, Richard Conte), montreront très souvent, non sans une certaine complaisance, un policier écoeuré du laxisme de la justice face à la délinquance, décidant de s'ériger juge et bourreau. Une façon expéditive de contrer les dysfonctionnements de la société.

Adepte de l'Actors Studio, Rod Steiger (1925-2002) fera plusieurs incursions dans le cinéma italien après Main basse sur la ville, notamment dans Les Deux rivales (Francesco Maselli, 1964), Il était une fois la révolution (Sergio Leone, 1971), et le précité Lucky Luciano. Comme il ne parlait pas italien, Steiger jouait son rôle en anglais, puis était ensuite systématiquement post-synchronisé par un comédien italien. C'est le cas dans le film de Rosi, où la version originale italienne se passe malheureusement de la vraie voix de Steiger.

Main basse sur la ville est sorti en France le 7 novembre 1963. En français, Rod Steiger a souvent été doublé, de façon magistrale, par André Valmy, comme par exemple dans Le Jugement des flèches (Samuel Fuller, 1957), ou par William Sabatier, en particulier dans Waterloo (Sergei Bondarchuk, 1970).

Dans la version française de Main basse sur la ville, Rod Steiger se retrouve avec la voix d'Yves Brainville (voir ci-contre la photo du Studio Harcourt). Elève de Raymond Rouleau, Yves Brainville (1914-1993) a débuté au théâtre dans Tirésias d'Œdipe-Roi, mis en scène par Jean Cocteau, avant de jouer ensuite, entre autres, dans Les Justes, et La Neige était sale, de Georges Simenon, mise en scène par Raymond Rouleau au Théâtre de l'œuvre en 1950. Au cinéma, on a pu le voir dans Le Clan des Siciliens (Henri Verneuil, 1969) et Stavisky (Alain Resnais, 1974). Doté d'une voix grave, très autoritaire et distinguée, Yves Brainville a souvent doublé des officiers allemands, et autres vieilles ganaches en uniforme. Il a par ailleurs prêté sa voix à James Mason dans Lolita (Stanley Kubrick, 1962), Richard Widmark dans La Conquête de l'Ouest (George Marshall et autres, 1962), Reinhard Kolldehoff dans Les Damnés (Luchino Visconti, 1969), et Martin Balsam dans Les Nefs à vif (Martin Scorsese, 1991).

Guido Alberti, qui incarne le politicien Maglione, est doublé en français par Albert Médina, que l'on a pu entendre sur Nigel Stock dans La Grande évasion (John Sturges, 1963), John Rhys-Davies dans Les Aventuriers de l'arche perdue (Steven Spielberg, 1981), et Joe Pesci dans Eureka (Nicolas Roeg, 1984). Son doublage de Colin Blakely, interprétant le Docteur John H. Watson dans La Vie privée de Sherlock Holmes (Billy Wilder, 1970), était particulièrement inspiré.
Quant à Carlo Fermariello, alias le conseiller communiste De Vita, il a en français la voix de Henri Djanik, très souvent entendu sur Telly Savalas, et Anthony Quinn. Djanik apporte beaucoup de conviction au personnage de De Vita, ce militant qui est un peu la Némésis de Nottola. Une belle performance d'acteur. Parmi les personnages secondaires, on reconnaîtra aussi brièvement le chansonnier Jean Amadou, doublant un restaurateur qui sert des spaghettis à Nottola.

CONCOURS DVD

MR. UNTOUCHABLE

Stagiaire CLICK BUSTERS — 2008-04-24T14:46:07Z

SYNOPSIS : Mr Untouchable est un documentaire sur Nicky Barnes qui a bâti un empire de la drogue dans les années 70. Le documentaire raconte comment l'homme a gravi les échelons jusqu'à son arrestation en 1977 et comment il est devenu l'indic de la police. Le personnnage de Nicky Barnes a récemment été vu au cinéma dans American Gangster.

A l'occasion de la sortie du DVD Mr. Untouchable de Marc Levin, Wild Side Video et Objectif Cinéma vous proposent de gagner 5 de ces DVD.

CONCOURS DVD

DANS LA
VALLEE D'ELAH

Stagiaire CLICK BUSTERS — 2008-04-18T13:17:36Z

SYNOPSIS : De retour d'Irak pour sa première permission, Mike Deerfield (Jonathan Tucker) disparaît mystérieusement et est signalé comme déserteur. Son père, Hank – un ancien membre de la Police Militaire – (Tommy Lee Jones) et sa mère Joan (Susan Sarandon) se lancent à sa recherche avec le concours d'Emily Sanders (Charlize Theron), officier de police de la juridiction du Nouveau-Mexique où Mike a été aperçu pour la dernière fois. Face au silence et à l'hostilité croissante des autorités militaires, Hank et Emily soupçonnent bientôt un coup fourré. Les indices troublants s'accumulent, et la vérité sur le séjour en Irak de Deerfield finit par éclater, bouleversant à jamais la vie de Hank et ses croyances.

A l'occasion de la sortie du DVD Dans la vallée d'Elah de Paul haggis, Warner Bros et Objectif Cinéma vous proposent de gagner 10 de ces DVD.

CONCOURS DVD

L'ARGENT

Stagiaire CLICK BUSTERS — 2008-04-18T11:59:23Z

SYNOPSIS : Une guerre secrète oppose Nicolas Saccard, directeur de la Banque Universelle, et le banquier Alphonse Gunderman. Lorsque ce dernier remporte une victoire en empêchant que soit votée une augmentation de capital pour l'une des principales affaires de Saccard, tout bascule. Considéré comme ruiné, Saccard organise sa revanche et se met en tête de financer les recherches de Jacques Hamelin, un aviateur souhaitant exploiter des terrains pétrolifères en Guyane…

A l'occasion de la sortie du DVD l'Argent de Marcel L'Herbier, Carlotta Films et Objectif Cinéma vous proposent de gagner 10 de ces DVD.

MADS MIKKELSEN & NIKOLAJ LIE KAAS

Stagiaire CLICK BUSTERS — 2008-04-17T16:04:25Z

Plus besoin, comme la « divine » Garbo naguère, de s'exiler. Les Scandinaves profitent maintenant d'un système extrêmement dynamique et performant pour l'industrie cinématographique locale.

Glasgow. Octobre 2007. Mads Mikkelsen s'apprête à s'envoler pour la Louisiane. Après une incursion de six semaines en Ecosse, où il a débuté, dans les frusques de l'esclave Harald, dit « N'a qu'un Œil » (One-Eye), les premières prises de Valhalla Rising, le comédien entame la seconde phase de son périple. Un film d'aventures historique du cru qui narre l'expédition épique d'une fratrie de Vikings jusqu'en Amérique du Nord, quelques siècles avant Christophe Colomb. Mais est-il seulement parti ? Tournage reporté, production suspendue, serait-ce un film fantôme ?

« Ce sera réalisé dans un style très cru, très réaliste et proche du documentaire, qui reflète bien les mœurs violentes de cette époque. Il n'y aura pas de décors gigantesques. Ce n'est pas Gladiator ! » avait expliqué au Scotsman Karen Smyth, co-productrice de cette gageure anglo-danoise de 4 millions de pounds. Projet en cours donc.

Mikkelsen devait également rejoindre Marina Hands à Paris pour le film de William Friedkin, Coco avant Chanel, sur la liaison entre le compositeur russe Stravinsky et la fameuse styliste et égérie de mode Gabrielle Chanel. Idem, pas plus de nouvelles pour l'instant.

Les rumeurs l'annonçaient dans Pinkville d'Oliver Stone, en tournage prochainement en Thaïlande, qui conte un épisode douloureux de la guerre du Vietnam, en 1968, aux côtés de Bruce Willis et de Woody Harrelson. Carnet de commandes bien rempli, l'acteur est sur les rangs pour le thriller de l'Allemand Anno Saul, Past Perfect. En tout cas, ce 28 mars 2008, un drame très attendu d'Ole Christian Madsen, Flammen & Citronen, où il incarne un nazi dans le Danemark occupé, sortait dans toutes les salles danoises.

JAMES BOND OU LA TORTURE DANOISE

Grand dadais (1,82 m) à la perpétuelle moue dubitative, « l'homme le plus sexy du Danemark » – l'ancien gymnaste a ainsi recueilli les votes du magazine féminin Woman et pose pour H&M –, 42 ans, vient ainsi de retrouver celui qui l'a fait connaître au grand public : Nicolas Winding Refn, figure de la jeune garde nordique. Sa fameuse trilogie sur les bas-fonds sordides de Copenhague, devenue culte, est l'un des plus gros cartons de ces dernières années au box-office national. Dans Pusher (1996), synonyme, à peu près, de « dealer/junkie », il est Tonny, petite frappe sans envergure et gaffeuse, crâne rasé affublé d'un tatouage idiot (« Respect »).

Wilbur Wants to Kill Himself (2003), de sa compatriote Lone Sherfig, lui offre l'interprétation d'un médecin pince-sans-rire et déconcertant de franchise navrée. Après avoir fait ses gammes dans des co-productions européennes telles Dina (2002), aux côtés de Gérard Depardieu ou, dans une moindre mesure, le remarqué Torremolinos 73, la planète le découvre en 21e méchant bondien (Casino Royale).

Larme de sang qui perle de son œil vide, « Le Chiffre », cruauté détachée, ne doit rien à ses illustres prédécesseurs, Docteur No, Goldfinger et autres Drags. La célèbre séance de torture – simplement muni d'une corde et d'une chaise percée, il titille la virilité de 007 – restera dans les mémoires.

LE CASANIER LUNAIRE

Quant à lui, Nikolaj Lie Kaas, est resté tranquillement au pays pour tourner coup sur coup deux thrillers, Just another Love Story d'Ole Bornedal (sur les écrans danois le 24 août 2007) et Le Candidat (sortie prévue le 1er octobre prochain) dans les studios de la capitale. Plus « expérimental » cependant que son aîné, le fils de Preben Kaas et Anne Marie Lie (qui se sont tous deux suicidés alors qu'il était enfant), 35 ans aujourd'hui, fut l'une des révélations du mouvement Dogme.

Allure lunaire et grand sourire interdit, sa performance saisissante de pseudo demeuré dans Les Idiots (Jeppe) impose naturellement ses mimiques bougonnes et son sourcil froncé. Parfois même définitivement autiste. Cette rafraîchissante spontanéité s'exprime dans des « nanars » improbables dont les Scandinaves ont le secret, The Sun King (2005), où il campe un trentenaire ahuri tombant amoureux de sa patronne, une dame hors d'âge, ou encore le très débile Old Men in New Cars (2002).

Pur produit du Danemark, il travaille exclusivement sous la houlette de cinéastes « locaux » comme Susanne Bier et Anders Thomas Jensen (Brothers, Murk, Clash of Egos…), qui en font leur acteur fétiche. Même si son rôle d'éternel adolescent charmeur et un peu perdu lui colle à la peau, l'étrange et inventif – presque irracontable – Reconstruction (2003) de Christoffer Boe lui permet de dévoiler d'autres aspects de son jeu, fausse bonhomie inquiète en sus. Rarement sorti hors des frontières de sa contrée natale, on lui trouve néanmoins un voyage en Roumanie, à Bucarest, pour un film d'espionnage nucléaire américain, PU-239.

OPERATION DE BIENFAISANCE

Quoi qu'il en soit, quand il se forme, le duo fonctionne parfaitement. Des similitudes s'opèrent, une véritable complicité, une complémentarité même. Ils se croisent la première fois sur Flickering Lights (2000) d'Anders Thomas Jensen. Puis le rejoignent deux ans plus tard pour une farce cynique et teintée d'humour noir, Les Bouchers verts.

S'enchaîne la charmante comédie signée Susanne Bier, Open Hearts : percuté par une voiture, Joachim (Kaas) reste tétraplégique, au dam de sa douce et compréhensive fiancée, qu'il rejette. Elle sera consolée par Niels (Mikkelsen), mari de la chauffarde et père modèle dépassé par les événements. Face à l'étonnante sentimentalité de son partenaire, « NLK » compose un individu à l'humanité blessée très émouvant. Bien sûr, aucun des deux rivaux ne se rencontrera.

A part le septième art, ces deux-là ont chanté ensemble. C'était à l'occasion d'une opération de bienfaisance, type We are the World. Pour le Tsunami du 26 novembre 2004 : « Hvor små mi er », qui pourrait se traduire, en gros, par « How little we are ». Explosant tous les records du « Royaume », la chanson a ainsi rapporté trois millions de couronnes danoises, soit près de 430 000 euros envoyés à destination des victimes de la catastrophe, au Sri Lanka.

500 000 COURONNES DANOISES

Bref, si l'un affiche sa sobriété, l'autre assume son insolite désinvolture. L'un court les castings internationaux, l'autre n'a même pas besoin de passeport. Mads Dittmann Mikkelsen, après une décennie à écumer les théâtres, émerge à 30 ans passés sur grand écran pour dorénavant s'asseoir tout près de Daniel Craig et Eva Green (James Bond) ou de Clive Owen et Keira Knightley (Le Roi Arthur).

Frais émoulu de l'Ecole Nationale d'art dramatique en 1998 – année dogmatique –, Nikolaj Lie Kaas, a pu, lui, profiter directement du boom et de l'extraordinaire vitalité du cinéma danois de la seconde moitié des années 1990 dont « Mr. Mads » est, au fond, un symbole. A l'instar de la multinationale Zentropa de Lars von Trier, dont on a tant parlé, l'industrie audiovisuelle scandinave, véritable plaque tournante entre les pays du cercle polaire et l'Allemagne, lorgne même de l'autre côté de l'Atlantique. La bonne bouille de Kaas, de dix ans son cadet, lui rapporte plus de 500 000 couronnes danoises par film (70 000 euros à peu près pour Les Bouchers verts). Loin des canons hollywoodiens certes, mais un cachet bien suffisant pour éviter l'émigration.

Lors d'un entretien au célèbre quotidien danois Politiken, en avril 2001, Nikolaj Lie Kaas parlait de son art : « Il y a ceux qui manquent de profondeur face à leur propre vie, mais pour moi, la superficialité signifie beaucoup – c'est là que je trouve mon inspiration. » Pour faire comme Steve McQueen et pour « rassurer » (l'engin est somme toute peu rapide) sa femme, l'homme d'Østerbro préfère lui conduire une vieille moto de 1937.

DEUX SOEURS
POUR UN ROI

Stagiaire CLICK BUSTERS — 2008-04-17T15:07:31Z

SYNOPSIS : Royaume d'Angleterre. Début du XVIe siècle. Sa Majesté Henry VIII, insatiable, a besoin de maîtresses pour la distraire. Afin d'obtenir les faveurs royales, Sir Thomas Boleyn, conseillé en cela par son beau-frère, le duc de Norfolk, intrigue pour que ses deux filles, la brune Anne et la blonde Mary, partagent la couche du monarque. Si l'une veut être reine, l'autre n'attend rien en retour.

« Maudite ! » Henry VIII Tudor (1491-1547), rendu fou de désir par la belle ensorceleuse Anne Boleyn, vient de répudier son épouse, l'Espagnole Catherine d'Aragon, laquelle ne lui donna pas le fils tant espéré et dont il s'est lassé. Dès 1527, le roi d'Angleterre demande l'annulation de son mariage avec la souveraine catholique, bien aimée du peuple, et dès lors s'attire les foudres papales, à la seule fin de satisfaire sa passion pour l'aînée des Boleyn. En 1533, Anne devient sa femme et reine d'Angleterre. Le schisme est consommé. Tiré du best-seller de Philippa Gregory (1), The Other Boleyn Girl, le film éponyme de Justin Chadwick et Peter Morgan brode sur la légende noire de « Barbe-Bleue », grand « dévoreur de femmes » – il en eut six – et sur sa liaison avec chacune des deux sœurs Boleyn. « Si elle ne donne pas au roi un héritier mâle ou si l'enfant est mort-né, cela annoncera la disparition du clan Boleyn », prédit l'oncle d'Anne et Mary, le duc de Norfolk (David Morrissey).

Deux sœurs pour un roi – tant pis pour l'ironie du titre original – jongle donc avec l'opposition marquée entre les fausses jumelles et égéries du cinéma américain, la blonde plantureuse et naïve, Mary (Scarlett Johansson), et la brune gracile et manipulatrice, Anne (Natalie Porman). Leur rivalité, voulue par l'une, jalouse, subie par l'autre, aimante, ne se traduit pas seulement dans les caractères, pur et crédule pour la première, cruel et calculateur pour la seconde, mais également dans le choix de leurs parures, identiques, à un détail près : l'une est ornée de motifs vert, l'autre bleu. Avec un Eric Bana assez convaincant dans les frusques alambiquées d'Henry VIII – tour à tour séducteur empli de tendresse, amant violent et frustré, jusqu'aux roulements d'yeux furieux lorsqu'il veut se débarrasser de son encombrante « dame de cœur » –, le chatoyant trio réserve à ce très agréable drame en costumes un cachet fort sympathique.

Excommunication & succession

Après les grandes heures d'Elisabeth I et II, les affres et les coucheries de la famille royale, toutes époques confondues, demeurent très à la mode outre-Manche. A l'instar de Peter Morgan, déjà en vue sur The Queen de Frears, Michael Hirst, scénariste des deux Elizabeth de Shekhar Kapur, a lui aussi repris du service. C'est pour la version TV des amours d'Henry VIII, Les Tudor, mini-série irlando-canadienne (diffusée sur Canal + en ce moment, en prime time) qui utilise à foison les fastes de la Cour et des vipères qui y survivent tant bien que mal, pas si loin au fond de la très décadente Rome produite par HBO.

Du reste, la riche période élisabéthaine, pierre angulaire de l'historiographie et de la politique anglo-saxonne, paraît fort propice aux adaptations et reconstitutions de qualité estampillées BBC, legs d'un véritable patrimoine national. La décision funeste de Henry VIII de rompre avec l'Eglise catholique et romaine, en isolant l'Angleterre – « Eh bien ! fondez votre propre Eglise » dit Anne – fait entrer le royaume dans une ère nouvelle. Car malgré la chute de la maison Boleyn, Elisabeth, fille d'Anne, une « solide rousse » qui fut couronnée en 1558, tint le pays d'une main de fer, durant l'apanage d'un règne long de 45 ans. Elle-même excommuniée comme son père, la « Reine Vierge », au carrefour du XVIIe siècle, s'affirma face au reste de l'Europe, posant les bases de la future toute-puissance de l'Empire britannique.

Après La Jeune fille à la perle, où elle incarne le modèle du maître hollandais Vermeer, la resplendissante Scarlett Johansson prête décidemment bien son visage gracieux aux clairs-obscurs de la Renaissance. Elle devrait d'ailleurs enfiler les splendides robes écarlates en satin de Marie Stuart, reine d'Ecosse et grande rivale d'Elisabeth, dans un long métrage de Philip Noyce, écrit par l'Anglais Jimmy McGovern. De son côté, Natalie Portman joue avec ravissement les garces prête à tout et dépassée par sa propre ambition dans une Albion saturée d'intrigues et de complots. Depuis la Guerre des étoiles, la native de Jérusalem, bientôt 27 ans, muse de Goya chez Milos Forman (Les Fantômes de Goya), pigiste pour Wong Kar-wai ou Amos Gitaï, terroriste dans V pour Vendetta, en passant par une apparition remarquée dans le récent Darjeeling de Wes Anderson, tisse une filmographie de plus en plus intéressante.

CONCOURS DVD

INVASION

Stagiaire CLICK BUSTERS — 2008-04-17T14:14:07Z

SYNOPSIS : Une chose terrifiante a mis pied sur Terre, une chose qui vous attaque pendant votre sommeil. Elle vous transforme en une créature à forme humaine dépourvue de toute émotion et qui s'évertue à traquer les êtres sains. La psychiatre Carol Bennell (Nicole Kidman) et son collègue Ben Driscoll (Daniel Craig) mènent une course contre la montre dans un monde cauchemardesque où la seule manière de rester en vie est de ne pas s'endormir. Vous ne pouvez faire confiance à personne, la tension est à son comble dans cette nouvelle production de Joel Silver, adaptée du roman à succès de Jack Finney L'Invasion des Profanateurs de Tombes. Ne vous endormez pas ! L'Invasion vous guette ...

A l'occasion de la sortie du DVD Invasion d'Oliver Hirschbiegel, Warner Bros et Objectif Cinéma vous proposent de gagner 10 de ces DVD.

EROS+MASSACRE

Stagiaire CLICK BUSTERS — 2008-04-17T13:47:08Z

SYNOPSIS : Alors qu'elle fait l'amour avec Unema, réalisateur de spots publicitaires, une étudiante de 20 ans, Eiko Sokutai, prend conscience d'elle-même et de son inévitable froideur. Peu de temps auparavant, elle a rencontré Wada, un jeune homme du même âge, qui reste malheureusement sourd à ses avances. Afin de mieux comprendre qui elle est, Eiko s'intéresse alors à l'anarchiste Sakae Ôsugi, qui, à l'ère Taishô, fut le chantre et le premier adepte de l'amour libre. Elle suit également les traces de Noe Itô, assassinée avec Ôsugi au lendemain du grand tremblement de terre de 1923 par un officier de l'armée japonaise…

ANALYSE

C'était l'époque où à Berkeley, Paris, Berlin on lisait Eros et civilisation d'Herbert Marcuse, une réponse libertaire au pessimisme du Freud de Malaise dans la civilisation. Avec Erosu purasu Gyakusatsu l'Empire du soleil levant adresse un clin d'œil à l'occident.

Le film a été interdit pour son « indécence », puis autorisé dans une version tronquée. Il ressort sur nos écrans, tandis que le Centre Pompidou présente une rétrospective de Yoshishige Yoshida et que Carlotta sort un coffret de DVD d'un des maîtres de la « nouvelle vague » japonaise.

Le spectateur lambda est mené sans ménagement : plus de trois heures de film, des personnages qu'on a bien du mal à distinguer les uns des autres, un récit imbriqué dans le récit, parfois des propositions de variantes – on re-tourne la scène en lui donnant une autre issue-, des scènes rêvées, peut-être, des références à un background historique inconnu en dehors du Japon.

Et des sous-titres blancs sur un blanc éblouissant.

Pourtant, un certain air de famille avec les films de Godart (La Chinoise), de Truffaut (Jules et Jim), de Pasolini (Porcile), quelques plans superbes qui évoquent, découpées et rocheuses, les côtes siciliennes dans l'Avventura, un climat de fraîcheur et de révolte juvénile clamant haut et fort la parenté du sexe et de la politique.

Nous sommes dans un Japon moderne et apparemment libéré. Eiko, vingt ans, cheveux courts, mini –jupe, explore les jeux de l'amour et du hasard. Elle s'y livre sans désir ni plaisir avec un réalisateur de scopitones dépressif voire suicidaire. Elle songe à le remplacer par Wada, un allumé qui ne marche pas dans la combine parce qu'il préfère les allumettes. Un troisième larron entre en scène il se dit détective et voudrait la confondre pour exercice illégal de la prostitution. Avec Wada, qui n'a pas peur de jouer avec le feu, elle tente d'aller à la rencontre de l'histoire japonaise en reconstituant la vie de Sakae Osugi, grande figure de l'anarchisme et chantre de l'amour libre dans les années 10 et 20. L'évocation d'Osugi pris entre trois compagnes (dont une épouse) s'encastre dans celle d'Eiko, la jeune femme aux trois hommes. Le présent répond au passé, il s'y mêle, il éclaire, même ce qu'il y a de plus intime.

Quel passé ! Eros+Massacre fait allusion à des événements historiques qui restent totalement flous pour le spectateur européen. A diverses reprises, souvent, il font l'objet d'une distanciation brechtienne sont représentés comme s'ils se déroulaient sur une scène de théâtre. Parfois, c'est Artaud qui est convoqué. A la fin du film, on verra les acteurs de la partie « ancienne », en kimono, venir saluer, comme nous assistions au du tomber de rideau, tandis que l'héroïne moderne les photographie. Ce Kabuki dans le film fait référence à ce dont on se souvient au Japon comme de « l'événement d'Amakasu », du nom de l'officier de police exécuta le meurtre de Saeko Osugi, de son son neveu , âgé de six ans et l'une de ses trois compagnes, Noe Itu, journaliste et traductrice d'Emma Goldmann. Les corps furent retrouvés dans un puits. Cet acte qui suscita une grande émotion vu la célébrité des protagonistes et l'âge de l'enfant, intervint immédiatement après le tremblement de terre qui détruisit Tokyo et une partie d'Osaka en faisant quelque 150 OOO victimes, le 1 er septembre 1923. En quête de victimes expiatoires, la population s'en prit aux Coréens, le gouvernement se saisit du prétexte pour se débarrasser des « rouges », soupçonnés de mettre à profit le séisme pour accomplir leurs funestes desseins . (Rappelons 1923 est également la date de la fondation d'un parti communiste japonais). Tel est le « massacre », jamais explicité dans le film où il représenté comme une exécution : trois tréteaux, trois potences, trois corps sans vie.

Qui était le personnage historique de Sakae Osugi ? Certainement pas un adepte de la dynamite.  "Père, État, Système impérial , il s'opposait à la structure masculine du pouvoir ». (Yoshida). Osugi s'intéressait au christianisme, au socialisme et à l'esperanto. Le film montre un homme d'une grande douceur, réfléchi, qui parle peu et joue du shakuhashi (flûte droite ). Ancien cadet, il a été renvoyé de l'école militaire pour s'être battu mains nues avec un condisciple qui le menaçait d'un couteau. La scène devait se répéter, puisque l'une de ses compagnes, Masaoka Itsuko , amante jalouse, féministe de renom, - et préfiguration de Valerie Solanas qui tira sur Andy Warhol - tenta de l'assassiner en 1916 dans une maison de thé. Dans le film, la scène est déplacée dans le temps et dans l'espace et elle donne lieu à un véritable épisode de théâtre de la cruauté. Osugi pousse la non-violence jusqu'à accepter la dérision et à prendre le risque de sa propre mort.

De même que Bergman et Antonioni, Yoshida fait des femmes ses héroïnes. Ce sont elles qui sont détentrices de la mémoire : tel est le sens de l'interrogatoire sans fin auquel est soumise une enfant, fille ou petite fille de Noe Itu. Celle-ci ne répond pas : elle sait, mais elle est amnésique, c'est ,déjà, la structure de Femmes en miroir (2002) dernier opus de Yoshida, qui se joue entre la grand mère, la mère, la petite fille.

Les femmes sont des personnages violents et passionnés, désireux de changer leur vie ici et maintenant. Elle ne craignent ni d'expérimenter d'autres modes de vie ni d'affronter les contradictions que ceux-ci induisent.Le film rend hommage au mouvement féministe des années dix et vingt qui vit naître pas moins de deux cents revues, certaines entièrement conçues et réalisées par des collectifs féminins. Pas une once de « sororité », de relations tendres et solidaires entre ces deux femmes, elles luttent pour le même homme et contre les conventions de la société japonaise. Elles ne peuvent qu'échouer et jouent sans filet.

Makiko Okada, star de la nouvelle vague japonaise et épouse de Yoshida, incarne Noe Itu. Elle se présente tout d'abord comme une jeune provinciale qui veut réaliser sa mission en écrivant pour la revue féministe. Elle demande une entrevue et obtient le job. La rencontre avec celle qui deviendra sa rivale a lieu dans un jardin de cerisiers en fleurs. Admirer la floraison des cerisiers était un rite réservé tout d'abord aux dames de la cour qui s'étendit au reste de la population . On prenait - on prend encore aujourd'hui- quelques jours de congé, on s'achetait des habits neufs pour contempler, du nord au sud du Japon, les fleurs blanches, célébrées par d'innombrables poèmes, signes de l'arrivée du printemps, de la beauté éphémère et du deuil. Des pétales blancs tombent sur le jeune visage ravi de Noe Itu, en kimono traditionnel, mais les cheveux lâchés. Cette pluie immaculée est signe du renouveau, indique sa disparition cyclique, annonce le retour du printemps et de la révolution.

Eros+Massacre évoque en dépit de son titre la tradition d'un Japon qui est un peuple de jardiniers. Et non celle du militarisme et du sacrifice, des samuraïs et des geishas, du hara kiri et d'un ars amandi byzantin. Le film montre la dissociation de l'érotisme et du corps, des hommes fragiles, la supériorité de la passion sur la volonté. Il évoque une tradition libertaire enfouie. Il commémore les vaincus.

Vu près de quarante ans après sa première sortie et son interdiction par la censure japonaise, Eros+massacre peut se lire comme une référence à un autre cataclysme, déclenché non par la nature, mais par la folie humaine : le double bombardement nucléaire de 1945 sur lequel il importa avant tout, pendant des décennies, de garder le silence, les hibakushas (irradiés) étant traités comme des réprouvés. Osugi, héros non-violent est à l'image de l'Empire du soleil levant, vaincu, humilié, désarmé et transformé en base militaire américaine. Une défaite ou l'occasion d'engager un processus d'apprentissage pour ceux qui avaient vingt ans en 1969 ?

SAISON 1 ÉPISODE 2

Nicolas VILLODRE — 2008-04-17T13:06:51Z

Année après année, Sophie Herbin, la très charmante et avenante chargée de la danse du Conservatoire Olivier Messiaen de Champigny, programme dans ce havre de paix, sis quatre rue Proudhon, en pleine « cité jardins » d'une banlieue restée rouge, ce qu'il y a de plus révolutionnaire en matière de contemporain, ce qui se fait de plus audacieux dans les disciplines urbaines ou dans les spectacles d'avant-garde, modernes, trans-genres, quitte à contrarier le goût moyen, à ignorer l'audimat, à frôler le déceptif – mais on en est tous là. Le 1er avril – date chargée de sens pour une opération de l'espèce de celle dont nous allons causer, relevant peu ou prou, qu'on le veuille ou non, de la farce et de l'attrape –, Bettina Atala, partenaire, disciple, fille adoptive sinon naturelle du duo mythique d'actionnistes français Grand Magasin (Pascale Murtin et François Hiffler), y présentait sa première œuvre perso, un film « élargi » au titre sonnant comme un série télé à l'américaine : SAISON 1 ÉPISODE 2.

Après une inattendue « Rumba du pinceau » quelque peu bégayante à cause de l'usure du CD, écrite et chantée en 1947 par Bourvil (sur le thème : « Car pour faire bonne figure, faut toujours un peu d'peinture pour sauver la façade »), mise en musique par Etienne Lorin, dansée par quatre étudiantes en arts plastiques et mise en place de façon minimaliste par Marie-Laure Tétaud, sorte d'apéritif à la soirée, connoté « pratique amateur », la séance cinématographique proprement dite pouvait débuter dans sa version méta-filmique, c.à.d. avec présentation à l'ancienne (voire à l'antienne), interventions diverses dans l'esprit du Film est déjà commencé ?, débat et tout et tout.

Comme c'est généralement le cas avec Grand Magasin, dont nous n'avons pas vu tout le « travail » mais dont tout ce que nous avons vu nous a toujours enchanté, paru excellent, c.à.d. à la fois poétique et spirituel – dans la hiérarchie de valeurs qui est la nôtre, ces deux critères définissent ce qu'il y a de plus difficile en art –, le film de Bettina Atala questionne avec naïveté (feinte), malice et finesse le langage. Il ne s'agit plus de la langue française, comme habituellement, mais de ce qu'il est convenu d'appeler « l'écriture cinématographique », mise au point par Griffith et admise depuis comme une évidence par les spectateurs. « Où est placé le caméraman ? À quel moment le plan va-t-il changer ? Cette scène a-t-elle été tournée dans l'ordre chronologique ? Combien de prises ont été nécessaires avant d'obtenir la bonne ? Ce sont les questions que se posent ouvertement les personnages du film »… Tel est le pitch d'un spectacle où peuvent intervenir à tout moment, à tout bout de champ, sortir de l'écran façon Sherlock Jr pour apparaître en chair et en os, en 3D, les protagonistes du film : Pascale Murtin, Christophe Salengro, Aurélia Petit, Virginie Petit, Danièle Colomine, Joseph Dahan, Christophe Arrot, Marc Bruckert, Etienne Charry, François Hiffler. Ceci étant dit, le film a tout de même son autonomie et peut être apprécié en tant que tel. En soi.

Le film est aussi un documentaire sur la banlieue, sur les bords de Seine et de Marne en particulier, qui n'ont rien gardé de l'aspect idyllique naguère véhiculé par le cinéma populiste d'un Marcel Carné (Nogent, Eldorado du dimanche, 1929) ou d'un Jean Dréville (cf. À la Varenne, 1933, clip musical juxtaposant une java chantée par le Bayonnais André Perchicot à des images de guinguettes genre Chez Gégenne, d'amoureux déjeunant et se bécotant sur l'herbe ou faisant du canotage) ou celui, (du Front) populaire, d'un Julien Duvivier (La Belle équipe, 1936). Une affiche déteinte de Marie-George Buffet, le palais impérial postmoderne (néo-archaïque), saugrenu, voire absurde du Chinagora, entièrement voué au petit business et à des séminaires de co-cos (communistes commerçants), la façade (cf. Bourvil) du Chingaora Hôtel qui va avec, des quais désertés qui s'offrent comme des décors antonioniens, des parkings, des passerelles en béton friable, des palissades, les cheminées de l'usine d'incinération de Vitry, une caserne de pompiers, des immeubles conçus par des « architectes » au goût douteux, des galeries marchandes et autres centres commerciaux, des pseudo-« agoras » et des soi-disant « forums »...

Bettina s'autorise quelques coquetteries visuelles : un split-screen digne de L'Affaire Thomas Crown (photo de l'affiche du film avec une ménagère en chemisier Vichy rouge repassant sa nappe à carreaux de la même teinte ou faisant la vaisselle dans une cuisine carrelée assortie à ces motifs ; l'apparition du message redouté par tous les monteurs virtuels : « Media offline » ; le placement des sous-titres, annoncé par les comédiens eux-mêmes ; quelques plans flous assumés ; l'image anamorphosée ; plusieuurs scènes d'arts martiaux inspirées sans doute par la proximité du Sino Center…

Mais la valeur et la saveur de l'entreprise reposent sur le va-et-vient constant ou, au moins, toujours possible, entre les interventions de « performers live » et les actes du colloque tels qu'ils ont été fixés, au mois d'août dernier, dans les environs d'Alfortville, une bonne fois pour toutes, serait-on tenté de dire : pour l'éternité ou la postérité, sur la petite peau de la bande HDV. Et, naturellement, sur des effets de concordance (cf. les deux exemples de post-synchronisation en direct d'une séquence prétendument défectueuse) et de discordance (faux raccords, jeu des sept erreurs de la scripte, personnage incarné par des acteurs différents, comme dans le théâtre post-brechtien, inserts incongrus, dans l'esprit d'Hellzapoppin', de danseurs folkloriques serbes, etc.). Bien que film et pièce ne soient pas vraiment narratifs, la jeune réalisatrice semble fascinée par le récit et par la panoplie de moyens dont a besoin le cinéma dominant – dit « classique ». Du coup, nous ne dévoilerons pas la fin de son spectacle, qui n'a rien d'une résolution du problème posé, mais qui s'offre comme un bonus au film.

TO LIVE AND DIE IN LA

Marc POQUET — 2008-04-17T12:46:50Z

SYNOPSIS : Agent des services secrets, Richard Chance (William Petersen) découvre que son partenaire a été assassiné par Rick Masters (Willem Dafoe), un dangereux faux-monnayeur. Obsédé par l'idée de se venger et d'arrêter Masters, Chance va petit à petit franchir toutes les limites de la légalité, entraînant dans son sillage son nouveau coéquipier, John Vukovich (John Pankow).

ANALYSE

Dans les années 80, le polar américain quitte les grandes métropoles du nord – et notamment New-York - pour poser ses valises plus au sud. Reflet d'une migration de la criminalité qui délaisse la grisaille pour le soleil, cette tendance renvoie aussi à la volonté des cinéastes d'investir d'autres lieux pour renouveler leur approche de ce genre si typique du cinéma hollywoodien. Car derrière la luminosité et les couleurs de Miami, la Nouvelle Orléans ou Los Angeles, se cache la même noirceur des âmes et la même violence. Au sein de cette mouvance, le film phare fut bien sur Scarface de Brian de Palma, dont le succès balaya tout sur son passage ; tandis que le plus pur reste incontestablement celui de William Friedkin, passé presque inaperçu à l'époque (1985), heureusement réhabilité aujourd'hui. Il faut dire que Friedkin a déjà à son actif le mythique French connection, immense succès pour le coup, dans lequel on retrouve cette quasi-documentaire qui fait la force de To live and die in LA. S'y ajoutent une noirceur et une violence sans concession, pour aboutir à une œuvre fondamentale dans le cinéma américain de l'époque.

Nous sommes donc à Los Angeles en 1985. Jim Hart et Richard Chance (William Petersen) sont tous deux flics dans les services secrets, complices à la ville comme au boulot, le premier vieux briscard à l'orée de la retraite, le second jeune chien fougueux, adepte de sensations extrêmes. En deux scènes, leur personnalité et leur amitié sont superbement exposées, Friedkin allant même jusqu'à filmer un dialogue d'adieu tout en nuances, plutôt inhabituel dans ce genre de film. C'est également avec cette scène que le spectateur comprend le lien qui les unit, Jim Hart étant bien décidé, à quelques jours de la retraite, à régler seul une affaire en cours. Pour ces flics, ce qui compte avant tout c'est le travail, au détriment de toute considération familiale ou personnelle ; au mépris même de leur propre vie, puisque Jim Hart, parti imprudemment sur les traces d'un faux monnayeur de génie (Willem Dafoe), finira abattu comme un chien.

Dès ces premières scènes, le style de Friedkin éclate : paysages désertiques, montage serré, musique tonitruante donnent au film une énergie dont il ne se départira plus. Le spectateur est littéralement pris à la gorge, projeté dans un univers hystérique et violent, à l'image de la ville de Los Angeles - rarement aussi bien filmée - et bien sur du personnage principal. Car la découverte du cadavre de son coéquipier sera l'étincelle qui fera basculer définitivement Chance du coté de la folie, celle de ces flics prêts à tout pour faire tomber le malfrat qu'ils ont en ligne de mire. Quant à Master, dandy et artiste peintre, il est aussi un homme déterminé, dont la violence est surtout un moyen de protéger son activité lucrative.

Sur cet aspect, Friedkin n'invente rien, le cinéma américain ayant perdu sa naïveté à la fin des années 50. Sur la forme en revanche, To live and die in LA effraie par sa sécheresse jusqu'auboutiste, qui ne s'embarrasse d'aucune précaution narrative. Friedkin ne cherche aucunement à expliquer – et encore moins à justifier - le comportement de Chance, même dans ses pires moments ; parallèlement, loin de désigner en Master un psychopathe pervers, dont les actes relèveraient de la folie meurtrière, il en fait un homme froid et calculateur. Bref, il ne se contente pas de brouiller la frontière classique entre le Bien et le Mal mais opère un basculement radical entre les deux, allant jusqu'à refuser le traditionnel happy-end hollywoodien.

Chance commence d'abord par entraîner dans son délire John Vukovitch (John Pankow) jeune flic consciencieux et soucieux du respect des règles. Refusant les règles rassurantes du « buddy movie », Friedkin fait cohabiter deux hommes n'ayant aucune affinité ni même du respect l'un pour l'autre. Leur relation relève plutôt de la contamination pure et simple (thème cher à Friedkin), Vukovitch devenant pourri par simple contact avec son partenaire. Chance est également d'un rare cynisme avec son indic, pauvre jeune fille avec qui il fait l'amour mais qu'il menace d'abandonner dès qu'elle refuse de lui fournir l'information dont il a besoin. Enfin, il bascule complètement dans la violence et l'illégalité, prêt à renier les principes les plus élémentaires du métier de policier pour arriver à ses fins.

La brutalité de ce personnage central (interprété avec beaucoup de conviction par William Petersen) fait ressortir une réalité sordide, bien éloignée de l'image glamour traditionnellement véhiculée par Los Angeles. Terrains vagues, autoroutes, zones industrielles, bars miteux éclairés aux néons, Friedkin filme avec nervosité le coté sombre la mégalopole légendaire. Il refuse d'ailleurs dans cette description de favoriser les couleurs vives habituelles pour se concentrer sur les teintes désespérément ternes d'un univers urbain en déshérence. La longue séquence du braquage raté et de la course poursuite qui s'ensuit (un nouveau tour de force de Friedkin !) est à cet égard incroyable, le film investissant des territoires sales et glauques rarement montrés à l'époque et pourtant visuellement fascinants.

Ces quartiers ne sont pas ceux dans lesquels vit Master, plus businessman avisé que gangster psychopathe. D'ailleurs son activité de fabrication de faux billets est bien éloignée de la trivialité habituelle du trafic de drogue ou de la prostitution ; il en émane même une sorte de noblesse, celle propre aux techniciens de génie, que magnifie la séquence désormais célèbre du processus de fabrication des faux billets. Master, auquel Willem Dafoe donne toute son ambiguïté vénéneuse, est un homme distingué, un artiste qui vit intensément sa relation amoureuse dans sa somptueuse villa et les clubs chics. Un univers bien éloigné de celui de Chance, ce que souligne une nouvelle fois la mise en scène de Friedkin et notamment le travail sur les couleurs et les décors. Foin ici de la grisaille urbaine et de l'environnement sordide, les couleurs chaudes et vives reprennent le dessus, redonnant à Los Angeles son aura habituelle d'usine à rêves.

En insistant ainsi sur l'ambivalence de la ville, To live and die in LA parvient à en capter l'essence même, ce que peu de films ont finalement réussit à faire avec autant de véracité. Plus largement, Friedkin affiche un constat sans appel et fataliste sur le genre humain, renforcé par la mort respective des deux protagonistes, à l'opposé de la tradition hollywoodienne. Tandis que le « méchant » meurt de façon spectaculaire et quasi christique, Chance est sommairement abattu d'un coup de fusil de chasse en plein visage. Une scène tragique et inattendue, qui secoue un spectateur totalement pris de court devant la noirceur du propos, avant le coup de massue de la scène finale montrant Vukovitch reprendre la place de Chance auprès de son indic. Le cours de la vie reprend comme avant, malgré le magnifique coucher de soleil qui ouvre et clôt le film et dont la beauté ne saurait faire oublier la barbarie humaine.

To live and die in LA est une œuvre crépusculaire et envoûtante, une des plus intenses de son auteur. A découvrir ou redécouvrir d'urgence !

Objectif Cinéma

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